« L’une des spécificités des projets de photographie conceptuelle et artistique », souligne Kaupo Kikkas, « c’est que le travail créatif s’effectue beaucoup plus en amont de la prise de vue que dans la photographie plus classique. On peut passer un an et demi à imaginer et à planifier, ou à chercher le bon endroit, et puis la séance, elle, est bouclée en quelques heures. »

« Cela ne demande pas toujours autant de temps », ajoute-il en riant, « parfois les images arrivent en un éclair. Mais en réalité, des projets comme celui-ci peuvent prendre près d’une décennie pour être achevés. Lorsque tout se met en place et que c’est terminé, on est toujours critique envers soi-même, mais le processus peut être profondément satisfaisant d’un point de vue créatif. »

Partageant son temps entre une brillante carrière dans l’art de la photographie autour du thème de la musique - où il réalise des couvertures de magazines, des affiches et des illustrations d’albums - et des projets artistiques tels que « Inner Cosmos », ce sont davantage ces derniers qui lui permettent d’exprimer sa véritable nature. « Je peux créer des images qui posent des questions sur le caractère de notre humanité et le monde que nous avons créé », explique-t-il.

Ce type de photographie, qui questionne et interpelle, est à contre-courant de la plupart des images que nous consommons chaque jour, et pour Kaupo, de tels projets peuvent avoir du mal à être vus dans ce torrent visuel incessant. « L’abondance d’images qui circulent dans le monde aujourd’hui est telle qu’il est souvent difficile de repérer les auteurs les plus sérieux, car leur travail n’est pas aussi glamour. Ces projets ne procurent pas un plaisir instantané comme pourraient le faire de belles photos d’îles paradisiaques, d’animaux sauvages ou de mannequins. Mais il est important de bousculer les tendances, et l’art photographique à l’ancienne permet une sorte de renaissance dans ce sens. Et bien qu’un grand nombre de photos conceptuelles véhiculent douleur ou inquiétude au sujet de notre planète et de la vie humaine, j’essaie toujours de créer des images d’une manière douce et captivante, qui offrent un intérêt esthétique malgré tout. »

Le projet, un mélange surréaliste de questions socio-anthropologiques, d’inspiration littéraire et de tropes mythologiques, le tout dans un rendu monochrome austère, a pour but de stimuler l’esprit de ses spectateurs autant que de son créateur, affirme Kaupo. Que ce soit pour l’exposition ou le livre, il s’accompagne d’une magnifique bande sonore originale et de textes écrits par des collaborateurs et Kaupo lui-même. « Les textes d’accompagnement sont souvent la norme dans les expositions d’art » explique-t-il, « même si je demande souvent au public de regarder d’abord l’image seule et de s’interroger sur ce qu’elle signifie pour lui, avant de s’approprier les idées des autres par les mots. C’est peut-être la façon la plus pure de réagir. »

Avec le Sony Alpha 7R IV comme outil de travail, Kaupo confesse qu’il utilise l’appareil « totalement à l’ancienne, avec une mise au point manuelle, un mode de prise de vue unique... du coup, mon avis porte essentiellement sur la qualité incroyable de cette technologie. Avec un appareil comme celui-ci, je n’ai aucun piège technique qui pourrait me faire perdre du temps ou rendre un lieu inutilisable. Je réalise ce que je veux en un rien de temps. »

« Grâce à sa plage dynamique et sa qualité d’image, je n’ai pas à me soucier d’ajouter des lumières ou d’accentuer l’ISO. La taille des fichiers et la pureté préservée à des ISO élevés confèrent à l’artiste des possibilités quasi-illimitées. Certaines œuvres de l’exposition font 1,5 mètre de long et ont été prises à 800 ISO sans aucun souci de bruit. Pour une impression de la taille d’une couverture de magazine, vous pouvez monter à 3 200 sans problème ; pour une demi-page, à 6 400, c’est juste incroyable ! »

Cette qualité ne serait possible sans les objectifs Alpha qu’il utilise, avoue Kaupo. « Je tiens également à saluer l’excellence des objectifs, car lorsqu’on réalise d’aussi grands tirages, la qualité des optiques est cruciale. On a toujours tiré des photos à grand format, mais jamais avec la qualité que procure un objectif comme le FE 24-70mm f/2.8 GM.

Peu importe sa durée de préparation ou l’efficacité de son exécution, un projet doit toujours avoir une fin, et cette décision constitue un acte tout aussi créatif que les autres phases du projet. « Cela est vrai pour tout artiste du monde visuel, musicien ou écrivain. On est toujours dans le processus créatif - raconter une histoire, connecter des choses... - mais on a besoin d’un signal disant que c’est terminé. Dans tout projet solo, on se querelle beaucoup avec soi-même. On est à la fois le procureur, l’accusé et le juge, et on doit décider de la fin. Ici, la toute dernière image de l’exposition s’intitule « Angel of Conclusion » (l’Ange de la conclusion). Ironiquement, cette image de la lumière du soleil à travers les nuages était l’une des moins planifiées de toutes. Elle est apparue juste au bon moment. Un véritable cadeau de la nature. »